Studieninhalte Vollzeit

Der „Basic“ Unterricht stellt grundlegende schauspielerische Werkzeuge zur Verfügung, die ein inspiriertes und lebendiges Arbeiten auf der Bühne ermöglichen. Er widmet sich den folgenden Fragen: „Wie kann ich meine Wahrnehmung, Aufmerksamkeit und Konzentration schulen und trainieren?“ – „Was ist ein Impuls und woher kommt er?“ – „Wie kann ich eine innere Handlung körperlich ausdrücken?“ – „Was ist eine Situation?“ – „Welche Wirkung hat meine Position im Raum?“ – „Was bedeutet Status?“ – „Wie bleibt mein Spiel mit dem Partner lebendig?“ – „Was bedeutet Haltung und wie spiele ich das?“ – „Wie kann ich eine Beziehung zu Menschen oder Objekten erzählen, und das ganz ohne Text?“ – „Was ist der Unterschied zwischen Handlung und Tätigkeit?“ – „Wie wird mein Spiel konkret?“ – „Was bremst mich und was bringt mich weiter?“ – „Und wozu brauche ich Imagination und Fantasie?“ Ziel des Unterrichts ist das bewusste Erforschen schauspielerischer Mittel, das Erkennen nützlicher Grundsätze und eine aktive Anwendung dieser Werkzeuge.

Die Studierenden lernen das Wesen der Schauspielkunst kennen. Sie entdecken sich selbst als Medium, in dem sich später die Rolle als ganzheitlicher Mensch widerspiegeln kann. Das Erspüren, Wiederentdecken und Erfahren von sensorischem und emotionalem Empfinden und motorischen Mechanismen gehören zur Grundlage. Die Fantasiewelt und die Visualisierungsprozesse werden erweitert. Gleichzeitig wird die Lust an der Beobachtung und dem Nachahmen menschlichen Verhaltens und Handelns und das Interesse für philosophische, psychologische und soziale Zusammenhänge geweckt. Die Studierenden sollen ferner in die Lage versetzt werden, die Freude am Spielen zu entwickeln, Hemmungen zu lösen, persönliche Mittel des Spiels zu entdecken, sich auf Spielverläufe zu konzentrieren sowie das Wechselspiel „Aktion-Reaktion“ zu verstehen und praktisch umzusetzen oder die Sensomotorik zu schärfen.

In den ersten 12 Wochen erhält jeder Studierende zusätzlich Einzelunterricht (EZU) in Rollen- und Szenenarbeit. Mit dieser Intensivierung kann auf die persönlichen und individuellen Bedürfnisse jedes Einzelnen besonders eingegangen werden.

The main educational objective is to develop the students‘ abilities to demonstrate collaboration with their fellow actors as an ensemble by illustrating awareness of their own and their character’s status and therefore demonstrate the ability to make authentic choices connecting to emotional and physical motivation in acting. Herefore, we will be using method acting techniques developed by teachers such as Meisner, Adler and Hagen. Further, we will be exploring the exciting world of Commedia dell’Arte and its legacy in contemporary performance. Improvisation in Commedia is an excellent tool to expand the student’s physical vocabulary, stamina, space awareness and understanding of tempo-rhythm and comic timing. The first year also includes a visit to the Viennese Zoo, where the students will study animals, exploring behaviours, physicalities and characterisations, which will open them up to different layers of character and stretch boundaries and diminish inhibitions.

“Die Kamera lügt nicht.” Diese Wahrheit entdecken die Studierenden im Camera Acting Kurs. Durch die praktische Arbeit an Monologen und Szenen werden Szenenanalyse, Vorbereitung, Vorstellungskraft und andere Techniken trainiert, die im Kino und Fernsehen zum Einsatz kommen. Ziel ist es, glaubwürdiges Verhalten unter fiktionalen Umständen zu erzeugen. Gemeinsames Sichten und Besprechen des aufgenommenen Materials schult den Blick für alle Elemente, die authentisches Spiel ausmachen.
Weitere Inhalte: Kennenlernen von Differenzierungsmöglichkeiten und ihre Umsetzung, der Gebrauch medienspezifischer Darstellung im Filmbereich, der Erwerb von Kenntnissen in den Bereichen Technik, Licht und Filmkommandos, Einführung in die Drehbuchtechnik, Erarbeitung eigener Drehbuchszenen sowie ihre filmische Umsetzung, Kamerabewusstsein (Einstellungen: Totale, Halbtotale, Close-Up, etc.).

Die Studierenden werden in Kleingruppen in den Bereichen Atmung, Stimme und Sprechen an die Grundlagen des Faches herangeführt. Ziel ist die professionelle, berufsbezogene und reflexionsorientierte Schulung von Atem, Stimme und Artikulation. Das Finden der eigenen Stimme, der Atemkraft und des Atemrhythmus, ein Verständnis für Funktion und Einfluss des Atemapparats im physischen Sinne sowie Grundlagen von Artikulation und Hörvermögen bilden das Ziel des 1. + 2. Semesters.

Die Sprache als sozialisierten Teil der eigenen Persönlichkeit zu begreifen, die Einheit von Körperausdruck, Sprechausdruck und den Einsatz von Atmung und Spannung zu erkennen, gehört zu den grundlegenden Zielen des Unterrichts. Entwicklung und Sicherung medienspezifischer Stimm-/Sprechkompetenz insbesondere unter den Aspekten der Publikationsformen und -normen des Theaters und des Films oder Fernsehens.

Im 1. Semester werden Sie an die einfachen Taktarten (2/4, 3/4 und 4/4) und Rhythmen ebenso wie grundsätzliche Kenntnisse der Atemtechnik und Tongebung herangeführt. Der Unterricht umfasst: Intonationsübungen, Rhythmusübungen, Atemübungen, Einsingübungen, bewusster Einsatz und Kenntnis des gesamten Gesangsinstruments, Resonanzübungen mit gesprochenem und gesungenem Text, einfache technische Übungen zur Entwicklung der Stimme, Einstudieren einfacher Lieder in Dur und Moll in geringem Tonumfang, bewusste Vorbereitung für den Vortrag von Dichtung und Musik; ferner: gesangliche Übungen/Gehörübungen, Harmonielehre (der singende Schauspieler), Grundlagen der klassischen Notation.

Im 2. Semester erleben Sie erweiterte Intonationsübungen, Beherrschung komplizierterer Rhythmen, Ausbau der Atemübungen, ausgedehntere Einsingübungen, Einstudieren von Liedern mit größerem Tonumfang, detailliertere Beschäftigung mit musikalischen Begriffen, erweiterte Übungen zur Stimmentwicklung, Einstudieren von neuen Liedern verschiedenen Charakters, intensivere Beschäftigung mit den musikalisch-literarischen Inhalten; ferner: solistisches Singen, Einführung in Gestaltungs- und Interpretationsmöglichkeiten.

Schwerpunkte liegen bei der Einführung in Körperbewusstsein, Beweglichkeit, Körperbeherrschung und Bühnenausstrahlung. In Bewegungslehre wird ebenfalls auf die Vielschichtigkeit und Inhalte eines Textes eingegangen. Wie steht der Körper im Bezug zu Raum und Situationen? Was erzählt ein Text wirklich, und wie kann man ihn als Schauspieler umsetzen? Wie viele Möglichkeiten bietet der Text an, um die Figur in den ganzen Körper übertragen und entfalten zu können? Wie ist das Verhältnis von körperlicher Aktion und Reaktion auf der Bühne? Zu den eingesetzten Mitteln gehört auch (Improvisations-)Tanz.

Ziel ist der Erwerb folgender Kompetenzen und Fertigkeiten: automatisierte, aber dennoch bewusste Ganzkörperatmung, starkes Körperbewusstsein und Körperbefinden, Selbsterkennung von Blockaden, Stärkung der Grundphysis, sicherer Umgang mit dem eigenen und auch mit dem Körper des Spielpartners, Unterscheidung von Kraft und Energie, Erlernen von Abläufen in Gefechten.

Die Studierenden lernen Bedingungen des körperlichen Spiels auf der Basis von Aktion, Reaktion, Entscheidungsfähigkeit und Verantwortung. Zu den Inhalten zählen zudem: Freispielung und Weitung der Gelenke, Grundtechniken Stage Combat (waffenlos), das Einfügen der neu erlernten Combat-Techniken in selbsterstellte kurze Szenen (Thema: Gegenwartsgewalt) sowie Darstellen der richtigen Körperlichkeit unter verschiedenen Bedingungen (Schmerz, körperliche Behinderungen an unterschiedlichsten Körperstellen).

Aufbauend wird der Schwerpunkt in Bein-Armstellungen, Waffenpositionen, Stoßübungen, einfache Angriffs- und Verteidigungstechniken gelegt. Die weiteren Inhalte umfassen: Balance/Feinmotorik, effektives Atmen, Konzentration, Lösen von Spannung, Erlernen der Grundbegriffe, Falltechniken, Atem- und Bewegungslehre, waffenloser Bühnenkampf (Schlagtechniken und richtiges Reagieren in unterschiedlichen Combat-Situationen unter Berücksichtigung des darzustellenden Charakters, von einfachen Bewegungsabfolgen bis zu längeren choreografierten Sequenzen), Förderung von Timing, Tempo, Aktion- und Reaktionsabläufen unter Einbeziehung von erlernten Roll- und Falltechniken.

Das Ziel ist die schriftliche Auseinandersetzung mit klassischen und modernen Theaterstücken. Das Verfassen einer schriftlichen Arbeit geschieht über verschiedene Stufen und ist ein individueller Denk- und Schreibprozess, der im 1. Studienjahr aber als Gruppenarbeit (3-4 Studenten, freie Wahl) unter Einhaltung bestimmter inhaltlicher und formaler Kriterien durchgeführt wird. Es soll einerseits der Fokus auf die inhaltlichen, geschichtlichen und politischen Hintergründe des gewählten Theaterstücks gerichtet werden. Andererseits sollen die Studierenden sich mit zwei bis drei von ihnen ausgesuchten Hauptfiguren befassen.

Einführung in Castings und E-Castings: Was sind die technischen Mindestanforderungen, wie hinterlasse ich einen bleibenden Eindruck, wie kann ich erkennen, wonach der Caster eigentlich sucht? Eines der wichtigsten Instrumente dazu bildet die Dramaturgielehre: Wie ist ein Drehbuch bzw. eine Szene überhaupt aufgebaut? Wie werden Charaktere erschaffen, wo sind die Spannungsbögen, wo ist der emotionale Aufbau? Die Studierenden schreiben danach eigene Spielszenen, die im Anschluss filmisch umgesetzt werden. Auf diese Weise erhalten sie direkten Einblick, wie eine Szene von Anfang an geplant war. Den Abschluss bildet das Mock Casting, bei dem die Schüler vor einem ihnen unbekannten Caster eine Szene spielen müssen.